Las artes de Miami están de regreso. Así es como cambiaron a causa de la pandemia

Por fin, el imprevisto paréntesis de 18 meses para las artes y la cultura en el sur de la Florida ha llegado a su fin. Con inauguraciones de temporada escalonadas a lo largo del otoño, bailarines, actores y músicos compartirán espacios teatrales cerrados con un público deseoso de formar parte de la emoción comunitaria de una representación en vivo. Después de una temporada 2000-2021 de gran trascendencia digital, los grupos artísticos y las organizaciones culturales han planificado, revisado y ajustado las programaciones de 2021-2022 con el objetivo de volver a la normalidad, sea cual sea el significado de “normalidad”.

Reconociendo la incertidumbre que conlleva el COVID-19, la presidenta ejecutiva de la Florida Grand Opera, Susan T. Danis, dice con un suspiro: “Justo cuando pensabas que era seguro volver a la piscina...”

Sin embargo, los artistas y líderes artísticos como Danis son optimistas, siempre dispuestos a hacer cambios, ajustarse y afrontar el momento. Incluso antes de que el Presidente Joe Biden anunciara la obligación de vacunarse, tanto el Arsht Center de Miami como el Broward Center de Fort Lauderdale establecieron estándares de seguridad regionales mediante el ejemplo, exigiendo mascarillas y una prueba de COVID-19 negativa reciente o un comprobante de vacunación para cualquier persona que asistiera a una actuación o trabajara en sus instalaciones.

Victoria Rogers, vicepresidenta de artes de la Knight Foundation, no está segura de la rapidez con la que el público se sentirá cómodo al volver a los grandes recintos de artes escénicas, incluso con medidas tan amplias en vigor. Pero cree que ese regreso es vital.

“Para mí, el arte es una experiencia visceral. La inhalación, los jadeos, las risas, los vítores ... y más”, dice. “Soy una persona de gente. Cuando puedes hacer preguntas, ver el arte, contemplarlo, tener debates ... aprendes mucho más cuando puedes experimentarlo físicamente”.

La pandemia, por dura que haya sido y siga siendo, demostró ser un periodo de introspección, adaptación y nuevos modos de expresión tanto para los artistas como para las instituciones artísticas. Y, con toda probabilidad, muchos de esos cambios perdurarán. Algunas de las innumerables lecciones del largo paréntesis:

▪ Los artistas y el público no tienen que estar en la misma instalación –ni siquiera en el mismo país– para establecer una conexión significativa.

▪ Los contenidos digitales pueden tener un valor independiente, proporcionar una profundidad adicional a una experiencia artística y ser una forma de llegar al público que no puede o no quiere experimentar un espectáculo en persona.

▪ El poder de conexión de las artes, la oportunidad de mirar el mundo a través de la lente de un artista y vernos a nosotros mismos en otros que podrían parecer muy diferentes, enriquece la vida de una manera insustituible.

▪ Reconociendo que las artes y las instituciones culturales son motores económicos clave –y no solo complementos estéticos de la vida cotidiana–, todos los niveles del gobierno, las fundaciones, los filántropos y los poseedores de entradas convertidos en donantes echaron una mano para asegurarse de que las artes pudieran sobrevivir a las enormes pérdidas de la pandemia.

Para las organizaciones grandes y pequeñas durante la pandemia, la necesidad fue la madre de la invención, y de la reinvención.

GRUPOS ARTÍSTICOS DEL SUR DE LA FLORIDA, LISTOS PARA LA ACCIÓN

Para Ashlee Thomas –coreógrafa, bailarina, actriz, administradora de las artes y cofundadora de MUCE (la Experiencia Urbana Contemporánea de Miami)– el trabajo a distancia continuará combinado con reuniones al aire libre en el campus de la MUCE en Little Haiti.

Ahora que está cursando estudios de posgrado en teatro musical en la Universidad de Nueva York, Thomas espera crear una “autopista del arte” estableciendo el MUCE de Nueva York para que los artistas BIPOC (personas afroamericanas, indígenas y de color) de ahí puedan mostrar su trabajo en el campus de la MUCE en Little Haiti y en otros lugares de Miami, y los artistas de Miami puedan ver su trabajo en Nueva York.

Su consejo para otros activistas artísticos: “No esperes a hacer las adaptaciones que piensas hacer hasta que tengas tiempo. Mantente al tanto de las nuevas tecnologías. Conoce a gente desconocida. Expándete: no te quedes atascado en tu caja. Las nuevas generaciones buscan cosas que hacer, así que inclúyelas. Depende de nosotros. Nadie puede hacerlo por nosotros”.

Después de que la pandemia obligara a cerrar anticipadamente la exitosa e íntima inmersión de Juggerknot Theatre, “Miami Motel Stories: North Beach”, la fundadora y directora artística ejecutiva Tanya Bravo buscó financiación de la Knight Foundation para crear “Miami Bus Stop Stories”. La colección de obras escritas por la dramaturga haitianoamericana France-Luce Benson llevará a los estudiantes de Miami en un viaje virtual en autobús a comunidades como Little Haiti, Coconut Grove y Liberty City, donde interactuarán con personajes que iluminan diferentes épocas de la historia de cada barrio.

Bravo dice que Juggerknot creará más teatro inmersivo en persona en el futuro, pero está agradecida por la evolución que la pandemia permitió a su compañía.

“Siempre estábamos en proceso. Nunca dijimos que no porque trabajamos en construcciones de transición ... los últimos cuatro o cinco años fueron como un campo de entrenamiento”, dice. “Creo que nos haremos más fuertes y multifacéticos. La creatividad viene de tener tiempo para respirar”.

La directora de teatro Bari Newport buscó una reubicación en pandemia. Tras nueve años al frente de la Penobscot Theatre Company de Maine, aceptó un nuevo empleo como sucesora del fallecido Joseph Adler, director artístico y productor de GableStage. Después de “intentar, e intentar, averiguar cómo dirigir, cómo no sentir pavor y una desesperación abrumadora, tuve una epifanía. En lugar de estar en la oscuridad y la desesperación, puse todas mis energías en la creación”, dice.

También se fijó en cómo se hace el teatro.

Para ello, a Newport se le ocurrió una idea cuando hizo su primera visita a la sede de GableStage en el histórico Biltmore Hotel. ¿Por qué no utilizar la piscina de 23,000 pies cuadrados del hotel, donde entrenó en su día el olímpico y futuro “Tarzán” Johnny Weissmuller y actuó la superestrella de la natación del cine Esther Williams, para un arranque de temporada literalmente salpicado? “Splash!” se tendrá lugar el 28 de octubre, con una actuación en la piscina de la glamurosa compañía de nado sincronizado Aqualillies de Miami, un homenaje a Adler y a su época, y una mirada al futuro del GableStage previsto por Newport.

Parte de ese futuro, espera, pasa por cambiar la forma de hacer teatro.

“Los días en los que el teatro se hacía de forma caótica y la gente trabajaba por una miseria se han acabado. ¿Y si hay más recursos? ¿Y si imaginamos a lo grande para que el teatro se convierta en una empresa más optimista y esperanzadora?”

No será un cambio de la noche a la mañana. “Primero tenemos que creer que es posible y visualizar un ecosistema teatral próspero en nuestra comunidad. ... Luego tenemos que contar nuestra historia, una y otra vez. ... Después tenemos que encontrar a la gente, a los financiadores y a las partes interesadas que digan: ‘No más: Vamos a tener una comunidad teatral próspera y justa, y yo voy a dar el impulso necesario para que así sea’.

“Es posible. Lo sé”.

Danis, de la Florida Grand Opera, y sus colegas encontraron formas diferentes pero profundamente satisfactorias de conectar con los amantes de la ópera durante la pandemia. Con los centros de artes escénicas cerrados, pero con el apetito de su público por las representaciones en vivo intacto, produjo cuatro óperas de cámara y conciertos operísticos estadounidenses en una variedad de lugares socialmente distanciados.

“A la gente le encantó. Me permitía hacer un repertorio que no podía hacer en los centros de artes escénicas. Fue muy satisfactorio artísticamente”, dice Danis. “Hay una poderosa respuesta emocional al ver la ópera en un teatro más pequeño. ... Sé que el público está deseando eso ahora. La gente puede aprender a amar tanto la gran ópera como la más íntima”.

AL AIRE LIBRE

Aunque el objetivo era volver a los hermosos teatros y a las llamativas salas de conciertos de la región, varios líderes artísticos idearon una forma de reunir a los artistas y al público al aire libre, aprovechando el agradable clima de finales de otoño y principios de invierno de la zona.

El planteamiento más ingenioso fue el de “Seven Deadly Sins” (Siete pecados capitales) de Miami New Drama, un grupo de obras cortas encargadas que presentaban a los actores en escaparates y en un muelle de carga a lo largo de Lincoln Road, en Miami Beach, con un pequeño público sentado a una distancia segura en el exterior.

Dirigido por el director artístico Michel Hausmann (que concibió la idea) y el director general Nicholas Richberg, el proyecto estuvo en escena de noviembre de 2020 a enero de 2021, dando tres meses de trabajo a más de 100 personas, convirtiéndose en la mayor producción aprobada por Actors Equity en el país en ese momento. También atrajo una importante atención nacional hacia la compañía con sede en el Colony Theatre, que se dedica a contar las historias de una Florida del Sur diversa.

“La pandemia nos dio la oportunidad de explorar el significado más amplio del teatro. Cambió definitivamente nuestro ADN. Nos aventuramos a explorar los reinos exteriores de lo que abarca el teatro”, dice Hausmann. “Como nos dedicamos a contar historias en vivo, ‘Los siete pecados capitales’ nos hizo volver a enamorarnos de esta forma de arte. Al principio nos sentimos frustrados, luego nos liberamos”.

Del mismo modo, la directora artística del Miami City Ballet, Lourdes López, trasladó la querida producción anual de la compañía de “El Cascanueces” de George Balanchine al Downtown Doral Park, donde la combinación de bailarines en vivo, escenografía, video, animación y la gloriosa partitura de Tchaikovsky atrajo a un público ávido y socialmente distanciado.

Para López y sus colegas, la interrupción también supuso un tiempo para reevaluar en profundidad las posibilidades, incluidas las formas en que las colaboraciones digitales entre coreógrafos y cineastas pudieran ampliar el público de la compañía.

“Comprendimos que [nuestras actuaciones tradicionales eran] en el momento. Si parpadeas, te lo pierdes. Si no vienes, te lo pierdes”, dice. “La forma de arte era casi como un dinosaurio, muy atrasada. Nos enorgullecía no cambiar nunca. Pero hay que evolucionar”.

López sigue reevaluando el MCB y la forma de presentar el ballet. ¿Debe la compañía ofrecer dos programas diferentes en un mismo fin de semana? ¿Debe actuar en verano? ¿Cómo deben filmarse las obras creadas para un espacio de proscenio? El futuro lo dirá.

La incursión al aire libre del presidente ejecutivo del Broward Center, Kelley Shanley, fue la serie Back Lot Live en el estacionamiento detrás del complejo de Fort Lauderdale.

“El personal lo concibió y lo ejecutó”, dice. “Lo que subestimé fue lo importante que era para ellos. Llevaban mucho tiempo atascados en el Zoom. Lo que hacemos es presentar actuaciones en directo. Se podía ver la alegría en sus caras, que es la alegría de los artistas que conectan con el público. Espero que podamos trasladar esa gratitud a lo que hagamos en el futuro”.

El equipo del presidente ejecutivo del Arsht Center, Johann Zietsman, se aventuró fuera del teatro con contenidos locales virtuales, actuaciones en el barrio y espectáculos presentados en el exterior de la Thomson Plaza del centro. Uno de ellos, el espectáculo de improvisación “Zoetic Schmoetic” de Zoetic Stage, es probable que se convierta en parte permanente de la programación de la compañía.

“Qué importante es el encuentro físico”, dice Zietsman. “Esa es nuestra actividad principal: respirar juntos, responder juntos. Es vital para nuestro bienestar. No solo vendemos entradas. Formamos parte de la fibra social de una manera importante. Echamos de menos la empatía, y el aislamiento la agrava. Las artes enseñan empatía”.

EMPATÍA EN LÍNEA

Con las reuniones en persona prácticamente descartadas durante la pandemia, las virtudes y posibilidades de conectar con el público y mejorar la programación a través de los contenidos digitales se convirtieron en un elemento clave para una gran variedad de grupos artísticos y culturales. Las obras originales, las actuaciones filmadas, las conferencias virtuales y los recorridos por museos se convirtieron en vías digitales para las experiencias del público en la música, la danza, el teatro y las artes visuales para los amantes de las artes más allá de la Florida.

“Vivimos en una era digital. ... No hay una sola manera de llegar a un público y tener un impacto en él”, dice Rogers, de la Knight Foundation. “El cambio no es fácil. Pero tener la capacidad de ver más allá es crucial en las artes. ... Hay que tener una estrategia digital y crear eventos híbridos”.

El Nu Deco Ensemble de Miami llevó el híbrido más lejos que la mayoría, transmitiendo actuaciones en directo en una plataforma que permitía comentarios y encuestas del público. Sam Hyken, presidente ejecutivo y codirector artístico, afirma: “Pasamos de producir conciertos a producir [para] la televisión. No queríamos que una cámara se limitara a grabar nuestros conciertos. Queríamos una experiencia diferente que fuera más gratificante y atractiva”.

Nu Deco había invertido en un estratega digital antes de la pandemia, y Hyken dice que capturar cada concierto de forma cinematográfica ha dado lugar a innumerables oportunidades y a un crecimiento de la audiencia demostrable.

“Este año, el 80 por ciento de nuestra audiencia se encontraba fuera de la Florida, en más de 35 países”, dice. “Hemos aumentado nuestro presupuesto [a $1.5 millones], nuestra audiencia y nuestra programación educativa. Hemos tenido charlas y clases. Hemos contratado empleados y mantenido a nuestros músicos trabajando”.

En la New World Symphony, con sede en Miami Beach, las tecnologías digitales forman parte de su repertorio desde hace tiempo. Con sus conciertos WALLCAST gratuitos al aire libre, llenos de información y en una pantalla de 2,000 metros cuadrados en su New World Center de Miami Beach, la sinfónica fue una de las primeras en adoptarlas; su edificio, diseñado por Frank Gehry hace 10 años, contiene 17 millas de cable de fibra óptica.

“Cuando cerramos el 12 de marzo de 2020, en ocho días descubrimos que este mundo digital nos estaba llamando”, dice el presidente y director general Howard Herring.

Los músicos-becarios de New World crearon una serie de conciertos de cámara bautizados como “Live from Our Living Room”, y al principio tocaban juntos desde sus salas de estar individuales (algunos en otros países); con el tiempo pudieron actuar juntos con mascarillas y distanciados en el escenario del New World Center. Otros conciertos de cámara fueron iniciados por el director artístico Michael Tilson Thomas y artistas invitados. En total, la orquesta transmitió 77 “Living Room”, conciertos de cámara y conciertos de archivo desde marzo de 2020 hasta mayo de 2021.

“En un entorno online, tienes una capacidad de contextualización aún mayor”, observa Herring. “Somos un laboratorio de nuevas formas de enseñar y experimentar la música. ... Tenemos la intención de estar con el público, y vamos a intensificar el streaming”.

EN LOS MUSEOS

Los principales museos de arte de la región fueron de las primeras instituciones culturales en reabrir sus puertas a los visitantes en persona: el Pérez Art Museum Miami (PAMM), por ejemplo, dio la bienvenida a los amantes del arte a partir del 1 de noviembre de 2020. La prioridad de seguridad del museo hizo que se pusiera horarios a las entradas, que se hiciera obligatorio el uso de mascarillas para el personal y los visitantes y que se trazara una ruta específica para recorrer las exposiciones. Sin embargo, las experiencias digitales se convirtieron y siguen siendo un componente clave de lo que ofrece el PAMM.

“Pensamos en cómo podemos hacer que lo digital sea una parte mucho más importante de la experiencia del público, tanto dentro como fuera”, dice el director del PAMM, Franklin Sirmans. “Toda nuestra programación ha atraído a un público internacional. ... Estamos proporcionando un espacio para el arte en línea, y eso ha ampliado el reconocimiento del museo”.

Bonnie Clearwater, directora y curadora en jefe del NSU Art Museum Fort Lauderdale, mantuvo a su personal trabajando a distancia hasta la reapertura del museo en septiembre de 2020. Se lanzó un catálogo de colecciones en línea, en el que se estaba trabajando desde 2017, junto con visitas virtuales de 360 grados al museo y otras iniciativas en línea.

“Descubrimos que los recursos virtuales eran increíbles”, dice Clearwater. “Nuestra serie sobre el arte del Renacimiento atrajo a espectadores de todo el mundo. Ya no estábamos limitados geográficamente. ... Nuestro sitio web experimentó un aumento del 75 por ciento de nuevos visitantes, así como un aumento en la duración de las visitas, y se convirtió en el motor número uno para visitar el museo en persona”.

APOYO FUNDAMENTAL

El Arsht Center, una instalación de dos edificios que abraza el Biscayne Boulevard entre las calles Northeast 13th and 14th de Miami, está gestionado por la organización sin ánimo de lucro Adrienne Arsht Center Trust, aunque es propiedad del Condado Miami-Dade y está parcialmente financiado por este.

Sede de actuaciones de espectáculos de Broadway en gira, el Miami City Ballet, la Florida Grand Opera, la New World Symphony, Zoetic Stage, City Theatre, Jazz Roots, el Festival Internacional de Teatro Hispano –cientos de actuaciones anuales en total–, la joya de la corona de las instalaciones artísticas de Miami-Dade perdió un estimado de $25 millones en ingresos por entradas desde marzo de 2020.

Sin embargo, el gran apoyo gubernamental y privado durante la pandemia, una red de seguridad compleja y vital, mantuvo el centro de artes escénicas en funcionamiento. Ese apoyo fue esencial para los propios artistas y para las organizaciones artísticas y culturales de todos los tamaños.

Suzette Espinosa Fuentes, del Arsht, reporta que el centro recibió una subvención de $10 millones para operadores de recintos cerrados; $2.18 millones del Programa de Protección de Salarios; $5.6 millones de patrocinadores corporativos, organizaciones de subvenciones, filántropos y una gala de recaudación de fondos. El Condado Miami-Dade contribuyó con $2.5 millones adicionales a su apoyo anual a las operaciones del Arsht, la educación artística y la participación de la comunidad.

El Departamento de Asuntos Culturales del condado, de hecho, distribuyó más de $10 millones en subvenciones de la Ley CARES (Ayuda, Alivio y Seguridad Económica contra el Coronavirus) financiadas por el gobierno federal a 280 organizaciones artísticas y culturales y a 856 artistas-emprendedores.

“Ha sido una auténtica montaña rusa para hacer frente a lo imprevisible”, dice Michael Spring, director del departamento. “Los grupos artísticos han sido creativos a la hora de mantener su compromiso: se han trasladado a plataformas virtuales, luego se han trasladado al exterior, luego han vuelto a abrir en el interior, empezando por los museos y ahora los teatros. Ha sido gratificante ver la demanda acumulada en muchos lugares. ... Nada puede sustituir la emoción de una actuación en persona”.

Al igual que muchos de sus colegas líderes artísticos del sur de la Florida, López, del Miami City Ballet, sintió una oscuridad durante la pandemia que fue difícil de eliminar, a pesar de la oportunidad de introspección, crecimiento y concepción de nuevas formas de hacer/compartir el arte. Todos los artistas y grupos artísticos y culturales aprendieron y asimilaron lecciones.

Sin embargo, salir de la oscuridad, volver al cálido brillo de las luces del escenario y del arte compartido en directo va a significar una temporada como ninguna otra.

“Esta es una temporada de alegría, abandono, libertad y elevación”, dice López. “Se siente como una liberación, un reinicio y un renacimiento”.

Esta historia fue publicada originalmente el 2 de octubre de 2021, 10:13 a. m..