“Escultores: Conversaciones materiales”, viaje por el  imaginario escultórico contemporáneo

“Escultores: Conversaciones materiales”, esboza un sugestivo viaje por el imaginario escultórico contemporáneo que abarca, desde mediado del siglo XX, hasta la actualidad. Contempla aquellas tendencias que han influido decisivamente en el desarrollo de la escultura contemporánea. Un viaje que incluye las obras, tanto de notables escultores europeos, como también de estadounidense y latinoamericanos: Agustín Cárdenas, Ryan Schneider, Jesús Rafael Soto, Vincent Beaurin, Pablo Atchugarry, Mark Whalen, Francisco Narváez y Carolyn Salas.

Aquí están desplegadas distintas poéticas en una especie de síntesis escultural instantánea. Desde la escultura figurativa de Narváez, el surrealismo antropomórfico de Cárdenas, hasta la abstracción cinética de Soto. Desde el abstraccionismo de Atchugarry, pasando por el neo expresionismo de Schneider y la neo figuración de Whalen y Salas, hasta un lenguaje escultórico más conceptual en la obra de Beaurin.

En esta muestra, curada por Javier Martín, se plantean recorridos inéditos entre visiones del mundo, en principio antitéticas como, por ejemplo, las dicotomías entre abstracción y figuración, entre expresionismo y conceptualismo. Pero vistas todas ellas en el sentido de cómo el campo de la escultura contemporánea ha explorado, independientemente de sus distintos lenguajes, la tridimensionalidad en un sentido estético expandido hacia el conocimiento de las dimensiones espaciotemporales que conforman nuestra realidad, material y espiritual. Reflexionando sobre estas dimensiones y (re) presentando, desde la diversidad lingüística de la escultura, aquellas mutaciones sufrida por nuestra sensibilidad en la percepción del mundo objetual, bajo el impacto sociocultural de la globalización económica y la revolución digital.

Esta propuesta curatorial nos hace pensar cómo la escultura contemporánea ha protagonizado, sobre todo, en las últimas tres décadas, una evolución vertiginosa donde se ha conectado con casi todos los órdenes de la producción tridimensional, bien como objeto físico de la realidad, o bien como objeto inmaterial de la expresión digital.

Este proceso donde lo material y lo inmaterial, donde el mundo real y su contra parte, la irrealidad conviven en síntesis estética permanente, ha generado una relación muy fructífera en distintas áreas del saber sociocultural. La escultura, como modelo de pensamiento afincado en perspectivas poéticas tridimensionales se ha articulado, por ejemplo, con el aerodinamismo de la aviónica pero también con el diseño industrial futurista y la arquitectura hight tech. Las obras de Beaurin, sus impecables superficies, el detallismo minimalista (Tableau Ocelle, #14, 2024 y Sérapis, 2018) y la modularidad de sus obras, apuntan a una conciencia escultórica que combina el ejercicio del diseño ambiental y el interiorismo.

Y es que en el mundo del diseño la dinámica del lenguaje escultural atravesó el empacado, por ejemplo, tanto del modelaje de la construcción automotriz, como también el de la producción naval. En realidad, toda la mercancía del capitalismo tardío, su seducción para el consumo aditivo está propiciada por un diseño que interpreta la voluptuosidad escultórica en su inabarcable imaginario estilístico.

Pero tal vez sea en la arquitectura donde el lenguaje escultórico haya (in)fluido con mayor riqueza estética, con mayor resonancia en la ciudad, en el espacio público y la urbanidad de finales del siglo XX y principio del XXI. Pensemos por ejemplo, en la arquitectura de Frank Gehry (Toronto, Canadá, 1926), particularmente en el Museo Guggenheim Bilbao, España (1997). Pensemos también en la arquitecta Zaha Hadid (Bagdad, Irak, 1950-Miami, Estados Unidos, 2016), en su edificio One Thousand Museum, Miami. Si las sinuosidades arquitectónicas de la construcción de Gehry hacen referencia, en su horizontalidad, a la obra del escultor Richard Serrat (San Francisco, 1938-New York, 2024, Estados Unidos), de manera similar la construcción de Hadid tiene resonancia, en su verticalidad, (por cierto también sinuosidades en su base) con la obra de Constantin Brancusi (Rumanía, 1876-Francia, 1957), y, en particular, con su “Columna infinita” (1938).

“Escultores: Conversaciones Materiales”, expone itinerarios escultóricos diversos. El espectador en la sala puede triangular la obra de Atchugarry Carrara Marble, 2006 con la de Schneider Dark, Dark, Dark, 2025 y estas dos a su vez, con la escultura Manners, 2025, de Mark Whalen. En esa triangualción, como en otras que emergen a cada paso en la sala, descubrirán asociaciones inesperadas. Por una parte, conexiones fascinantes, donde se mixturan imaginarios escultóricos tan disimiles como la escultura de raigambre cubista (Schneider), con el lenguaje neo abstracto (Atchugarry). Por el otro, las vertientes neo figurativas (Whalen). Pero hay en estas esculturas, a pesar de sus disimiltudes, un factor común que las retrata a todas juntas: la verticalidad pronunciada de sus formas. En el caso de Schneider y Atchugarry, esa especie de tatuaje en la piel de la escultura, registrando volúmenes surcados de oquedades y trazos, le conceden a estas obras un aire totémico, una atmósfera en cierto sentido ceremonial. Como ceremoniales, voluptuosas y también verticales a modo de columna, resultan las esculturas de Cárdenas Totem, 1983 y Le couple, 1989 -1991.

Estos intinerarios estéticos de la escultura contemporánea desplegados en “Escultores: Conversaciones materiales”, conectan el espíritu de la modernidad con el de la postmodernidad. Modernidad, por ejemplo, como la asunción de una voluntad de progreso, de un progreso lineal y ascendente. Una ideología, cuyo centro es interlocución con la razón que se trasluce en un buen número de esculturas con apariencia de torre o columna aquí (Schneider, Whalen, Atchugarry, Cárdenas). Celebres en este sentido son la columna de Brancusi y la torre de Vladimir Tatlín (Rusia, 1885, Unión Soviética, 1953). Mientras que el espíritu postmoderno emerge de una desconfianza precisamente en los estados de la razón, en lo inasible, en la intangibilidad, en lo indescriptible, en la relatividad de la percepción. Y ahí tiene un gran protagonismo la obra de Soto, Extension and Half Sphere, 1991 y Quadrato, 1974. Aquí el movimiento, la luz y el color se manifiestan como una combinación caleidoscópica de la percepción. Percepción sobre percepciones, capas sobre capas de percepción que nos vienen a decir que hace mucho tiempo, el mundo, las cosas han dejado de ser como la vemos.

“Escultores: Conversaciones materiales”, Ascaso Gallery, Miami, 1325 NE 1st Ave, Miami, FL 33132. Hasta el 16 de junio. Para más info. https://www.ascasogallery.com.

Dennys Matos es crítico de arte, curador y editor especializado en arte contemporáneo latinoamericano.