Instalaciones, fotografía y escultura. Artistas del sur de la Florida en el Orlando Museum
Resumen generado por IA y revisado por nuestra redacción.
- Artistas de Miami-Dade lideran la muestra del Florida Prize en Orlando.
- La exposición incluye instalaciones de gran formato, fotografía y escultura.
- La muestra permanece abierta hasta el 23 de agosto en el Orlando Museum of Art.
Un trío de vibrantes pirámides construidas con casi 100 lienzos, se alzan del suelo al techo. Fotografías exploran la maternidad y el paisaje estadounidense. Una cama de pétalos de rosa secos conserva la impronta de un cuerpo. Las paredes están cubiertas de símbolos sagrados dibujados a mano. Una instalación rosa de esculturas hechas de jabón de leche de cabra gira en torno a la intimidad y al bienestar.
Una sala tras otra en el Orlando Museum of Art pertenece a un artista del condado de Miami-Dade en la edición de este año del Florida Prize in Contemporary Art, lo que hace que la exhibición contemporánea más importante del estado se sienta inesperadamente cercana para el público de Miami.
Ocho de los 12 artistas y dúos artísticos de la exhibición tienen vínculos con el sur de la Florida, incluido el artista de Miami Francisco Masó, cuya obra The Coronation of Gladiolus recibió el premio mayor de $20,000 de la exhibición.
Coralie Claeysen-Gleyzon, curadora principal del Orlando Museum of Art, quien organizó la exhibición con la curadora asociada Katherine Page, atribuye a lo que ella llama el “ecosistema para artistas” del condado una de las razones por las que tantos provienen de Miami.
“Miami tiene este increíble grupo de artistas, pero esos artistas están ahí porque existe un gran sistema de apoyo para ellos”, dice, señalando organizaciones como Bakehouse Art Complex, Locust Projects, Oolite Arts, Bridge Red y otros espacios que brindan oportunidades de exhibición, estudios y una comunidad que permite que las prácticas se desarrollen con el tiempo.
“Cuando piensas en Miami como este ecosistema para artistas, tienes espacios increíbles para la creación”, dice.
Una vez seleccionados para el Florida Prize, a los artistas se les da algo que muchas veces no está disponible para ellos: espacio para crear, para impulsar sus ideas y para montar algo que pueda verse durante un periodo prolongado por una variedad de visitantes.
“Cuando le das a los artistas el espacio para crear, muchos quieren aumentar la escala”, dice Claeysen-Gleyzon.
Si bien Miami puede contar con complejos de estudios, lo que el Orlando Museum of Art ofrece con su Florida Prize es que los artistas locales básicamente tengan la oportunidad de exhibir en lo que equivale a muestras individuales en un museo importante.
Page, que comenzó en el museo hace seis meses, dice que ella y Claeysen-Gleyzon empezaron de inmediato a trabajar en la selección final de los artistas que participarían en la exhibición de este año.
“Cuando pensamos en los artistas a seleccionar, pensamos en qué espacios funcionarán mejor para su obra, qué destacará su trabajo. Tienen espacio para crecer y trabajamos con ellos para descubrir qué significa eso. Muchos ya tienen algo en mente con lo que han estado soñando”, dice. “Es realmente genial ser parte de ese sueño”.
Los artistas no son seleccionados mediante convocatoria abierta. En cambio, el Florida Prize se construye a partir de años de visitas a estudios, investigación de exhibiciones y conversaciones mientras las curadoras siguen las trayectorias de los artistas antes de extender una invitación.
“El proceso para seleccionar a los artistas del Florida Prize es en realidad algo que toma varios años”, dice Claeysen-Gleyzon.
Soñar en grande
Cuando Mette Tommerup visitó por primera vez el Florida Prize in Contemporary Art, miró las paredes altísimas de las salas y esperó que algún día la invitaran.
Este año, la artista nacida en Dinamarca y radicada en Coconut Grove vio su deseo cumplido.
En una pared de 90 pies en el Orlando Museum of Art, Tommerup ensambló tres pirámides monumentales construidas con lienzos arrastrados por el océano y la Bahía de Biscayne, secados en árboles en flor y arrojados desde azoteas al anochecer, cediendo parte del proceso creativo a la propia naturaleza.
Cada pirámide tiene un color que representa los tres elementos: océano, tierra y aire, con acentos nuevos de pan de oro. Los lienzos, cuidadosamente dispuestos en composiciones estructuradas, se elevan en la sala como formaciones geológicas o monumentos arquitectónicos antiguos, según Claeysen-Gleyzon.
“Intento renunciar a la autoría, así que mi trabajo no se trata solo de mí”, dice Tommerup. “Trato de escuchar a los lienzos”.
La oportunidad de ser seleccionada y trabajar con curadoras para realizar proyectos ambiciosos es lo que hace del Florida Prize un hito, dice Tommerup.
“El Florida Prize es una invitación significativa en la carrera de un artista para confiarle el uso de estos grandes espacios de sala en un museo importante”, dice Tommerup. “Esto es, para la mayoría de los artistas, el nivel más alto de logro en el estado de Florida para una muestra anual de arte contemporáneo”.
La exhibición también da a los artistas la libertad de experimentar con nuevos materiales y enfoques.
Maria Theresa Barbist adoptó un proceso nuevo, reemplazando el lienzo tradicional por lonas industriales que le permitieron trabajar a mayor escala mientras incrustaba fotografías Polaroid transferidas, recopiladas durante años en Miami y Austria.
“Esta es la primera vez que pinto sobre lona”, dice Barbist.
Para Charo Oquet, la exhibición se convirtió en una oportunidad para unir obras desde 2014 con amplios dibujos murales en tinta creados específicamente para la muestra del museo. Esculturas circundantes, ensamblajes y formas de colores brillantes hacen que el espacio se sienta parte santuario, parte paisaje onírico. Los dibujos marcan la primera vez que la artista trabaja directamente sobre las paredes de la galería, explica.
“Me interesa el lenguaje de lo sagrado”, dice Oquet, que ha pasado casi cuatro décadas investigando la espiritualidad afro-dominicana. “No quiero hacer exactamente lo religioso”, dice. “Quiero tomar esa idea y llevarla al arte contemporáneo”.
Rose Marie Cromwell, que realiza trabajos sobre diferentes geografías tras haber trabajado en Panamá, Cuba y Miami, también amplió su práctica más allá de sus límites habituales. Su sala combina fotografías monumentales con la idea de cómo se ve el Oeste estadounidense desde un enfoque feminista de la fotografía de paisaje. Para una pieza grande, cosió a mano varias fotografías.
En otra sala, un video de instalación muestra a su madre y a su hija escalando rocas y yuxtapone cuerpos y cómo envejecen. Todo el trabajo surgió de documentar su experiencia posparto durante la pandemia y luego volcar la atención hacia la maternidad, las generaciones y el paisaje estadounidense.
“Me di cuenta de que había cierto poder en compartir una historia sobre la maternidad con el mundo,” dice Cromwell. “Nunca había apuntado realmente la cámara hacia mí misma o mi propio cuerpo o mi propia vida. Me di cuenta de que, mientras mi hija envejecía, mi madre tenía 70 y tantos años, y yo de repente me sentía a principios de mis 40, como en una colina de la vida en la que nunca había estado antes, donde podía ver más claramente el principio y el final”.
Espacio para experimentar
We Are Nice ‘n Easy transformó una sala en un entorno rosa brillante construido en torno a la intimidad, la vulnerabilidad y el cuidado. El matrimonio de artistas Allison Matherly y Jeffrey Noble moldearon sus propios cuerpos en jabón de leche de cabra, abrazando un material que cambia con el tiempo. En cada escultura, la figura sostiene su cabeza en el regazo.
“Mucho de nuestro trabajo en años anteriores se había vuelto más controlado y con aspecto manufacturado. Queríamos introducir un medio que tuviera más variables”, dice Noble, dando la bienvenida a la imprevisibilidad de un proceso que resonaba con los temas de la propia instalación.
La artista radicada en Miami Jessy Nite trabajó con materiales sintéticos duraderos y técnicas intrincadas de anudado para explorar la resiliencia, la preservación y los lazos que unen a las comunidades.
Ema Ri adoptó un enfoque más contemplativo, llenando una sala en penumbra con pinturas íntimas que fueron una meditación sobre la transformación, el duelo y la renovación. Bajo uno de los lienzos, un pedestal cubierto con pétalos de rosa secos presentaba la impresión del contorno del cuerpo de la artista, extendiendo las pinturas hacia una reflexión sobre la mortalidad y la resistencia.
Bajo uno de los lienzos, Ema Ri presentó un pedestal cubierto con pétalos de rosa secos que mostraba la impronta del contorno del cuerpo de la artista.
La variedad de obras representó un desafío para la jurado invitada Jade Powers, curadora de arte contemporáneo en el Birmingham Museum of Art, quien pasó una tarde estudiando la exhibición antes de seleccionar al ganador del premio de $20,000 del Florida Prize.
“Aprecié cómo cada artista se comprometió con preguntas contemporáneas relevantes”, dice Powers. “Ya sea abordando la religión, la censura, el envejecimiento, el cuerpo, narrativas históricas o traumas personales y colectivos, cada instalación abordó estos temas de una manera distinta y reflexiva”.
Finalmente, seleccionó The Coronation of Gladiolus de Masó, una instalación que al principio parece celebratoria. Paneles dorados plegables, estandartes colgantes e imágenes históricas parecen casi ceremoniales. Un redoble constante de tambor y el olor a pólvora buscan evocar la atmósfera de una reunión pública antes de revelar referencias a la vigilancia, la represión y la resistencia en Cuba.
Las pinturas abstractas a rayas en toda la instalación se basan en polos usados por agentes de seguridad del Estado cubano que se mezclan con las multitudes durante las protestas, mientras que las flores de gladiolo hacen referencia al movimiento disidente Ladies in White. Paneles dorados plegables
Para Masó, la obra pretende hacer visibles los sistemas ocultos.
“Para mí, el arte debe ser útil”, dice. “Te estoy dando las herramientas para entender”.
Powers dice que seleccionar a un solo ganador es una tarea difícil. “(Es) nunca fácil, particularmente cuando la calidad general es tan sólida, pero pasar tiempo con las obras y las ideas de los artistas ayudó a clarificar las fortalezas de cada presentación”.
Una conversación entre galerías
Page dice que hay deliberación en ceder la mayor parte del museo a la muestra. Invita a visitantes que tal vez no asisten con frecuencia a los museos a algo más accesible. Los visitantes también pueden votar en el People’s Choice por su artista favorito del Florida Prize.
“Realmente invita a un tipo de reflexión más profunda sobre la obra y sobre con qué artistas los visitantes sienten más conexión. Creo que eso es muy especial”.
A pesar de los enfoques variados de los artistas, Claeysen-Gleyzon dice que las conversaciones de la exhibición surgen de forma natural.
“Las obras no se supone que hablen entre sí”, dice. “Pero de alguna manera lo hacen”.
Es inevitable que, de forma intencional o no, la exhibición cree una conversación conceptual de contenido y eso se convierte en el componente más intrigante del Florida Prize de este año. Para tener una idea real de dónde se sitúa el arte contemporáneo en Florida en 2026, la muestra de la encuesta en Orlando hace precisamente eso.
12th Annual Florida Prize in Contemporary Art, Orlando Museum of Art, 2416 N. Mills Ave., Orlando. Horario: 10 a.m. a 4 p.m., martes a viernes; mediodía a 4 p.m. sábados y domingos; cerrado los lunes. 10 a.m. a 8 p.m. el tercer jueves de cada mes. Hasta el domingo 23 de agosto. Entradas: $20, adultos; $12, adultos mayores de 60; $10, estudiantes con ID; $8, niños de 6 a 17 años; niños de 5 años y menores y miembros del museo entrada gratis. Más: (407) 896-4231 o omart.org.
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Esta historia fue publicada originalmente el 26 de junio de 2026 a las 9:30 a. m. con el titular "Instalaciones, fotografía y escultura. Artistas del sur de la Florida en el Orlando Museum."
